當代與古典音樂教學方式有著截然不同的取向。筆者在教授有讀寫障礙及專注力不足的孩子時，發現透過閱讀樂譜學習鋼琴對他們而言並非十分有效。他們難以專注於樂譜上的細節，導致學習過程變得艱難。這促使筆者探究印刷術興起之前，音樂家們是如何學習音樂的。這些學習方式與我們當下的音樂教育又有何啟示？這篇文章將圍繞此議題展開探討。

音樂學習方法的演變    

17至18世紀間，Partimento教學法在意大利極為盛行，這是一種基於低音線條的學習方式，學生需按照其和聲結構即興創作旋律。老師會提供必要的音樂詞彙與句法規則，並引導學生探索音樂創作的可能性。這種方法重視聽覺和實踐，而非依賴書面記錄。學生透過模仿和試驗逐漸掌握音樂結構，並培養即興演奏的能力。  

反觀現代音樂教育可能則以樂譜為核心，學生被要求掌握音符在五線譜上的位置，並將其轉化為演奏動作。這種方法旨在精確再現作曲家的意圖，但過程中往往忽略了音樂創作與即興能力的發展，使學生更像「複製機」，而非創作者。

比較兩種方法的本質差異  

古典音樂教育的方式如同從聽說學習語言，重視模仿與實踐；現代教育則直接從書面語言學起，著重於形式的精確性。兩者在學習重心上大相徑庭：前者重視音樂內涵與語感，後者則偏向技術層面的再現。

閱讀樂譜學習的限制與挑戰  

學習次序錯誤  

音樂學習應如語言般從「聆聽與模仿」開始，再逐步進入閱讀與分析階段。然而，現代鋼琴教學常直接讓學生接觸樂譜，導致他們在尚未熟悉音樂語言與情感表達時，便陷入視覺記憶的困難，學習過程變得機械且乏味，難以引發真正的興趣。

對與錯的觀念限制  

樂譜學習容易讓學生陷入「對與錯」的二元思維模式。例如，若演奏了一個未標示於樂譜上的音符，便被視為「錯誤」。這種觀念抑制了學生的創造力，使他們害怕冒險與嘗試，最終可能對音樂學習失去熱情。

缺乏語言沉浸感  

以樂譜為主的學習過程過於倚賴視覺，忽略了聽覺與動作的結合，導致學生缺乏對音樂語言的直覺理解。他們無法如同學習語言般，感受音樂內在的韻律與語感，因而難以靈活運用所學內容。剝奪日後的創造性，只管模仿彈奏別人的歌曲。

以語言學習模式為中心的音樂教學法  

音樂如語言的核心理念  

音樂學習如同語言習得，應從「聽、說」開始，再過渡到「讀、寫」。即興演奏並非毫無章法的隨性演奏，而是基於音樂語法與詞彙進行的即時創作。如同日常對話般，我們的對話是沒有預先預備，是基於即興的學習方法。但所使用的語言和語法卻不是憑空捏造，是自然且有組織。因此，在音樂的環境中，「聽、說」可以理解為「聽、即興」，在沒有預先準備的情況即時創作出音樂。

基於即興的學習方法  

即興演奏可作為學習音樂語言的基礎。老師提供一些基本的句法與語彙，如和弦進行或短句結構，然後引導學生利用這些元素創作自己的音樂。這種學習方式類似於語言學習中的造句練習，學生透過反覆練習，逐漸掌握音樂的語感與表達能力。有時候，學生所即興的句子未如理想，老師再加以指導。老師也會引導學生去嘗試不同的音樂詞彙，讓音樂更加豐富。

即興學習的優勢  

即興學習能培養學生的音樂直覺、創造力與自信。他們不僅是音樂的執行者，更能成為音樂的創作者和表達者，將所學內化為個人表達的方式。這種學習方法不僅提升了技術能力，更使學生在音樂中找到情感共鳴，建立與音樂的深層連結。當學生掌握越來越多的單詞和句子結構後，在日後欣賞其他大師的作品時，會有多一層理解。

筆者倡導一種將古典與現代相結合的教學模式：以即興、享受音樂應先於學習音樂為基礎，結合現代不同的演奏技巧、風格和理論，讓學生在即興中學習音樂語言，並在閱讀樂譜的過程中加深對音樂結構的理解。

 結論  

音樂教育應回歸語言本質，強調聽覺、模仿與即興的重要性。透過重新設計教學方法，我們可以讓學生擁有更豐富的學習體驗，使音樂不僅成為一項技能，更是一種與世界溝通的工具，從而讓學生能夠「我手彈我心」，用音樂來表達他們自己，演奏出屬於他們自己的音樂。希望此篇文章能為音樂教育的未來帶來啟發，推動學習方式的革新，讓音樂學習更具活力與意義。