我們學習一個概念時，最適合的方法往往是從歷史的角度去理解。原因很簡單 — 歷史的演進是為了解決上一個時代所面對的問題。數學的發展就是一個最好的例子：加法的概念發展後，為了更有效率地計算，衍生出了乘法；而乘法發展後，進一步演變出指數。每一個新概念的誕生，都是建立在先前概念的基礎之上。如果我們學習乘法時，沒有加法作為基礎，那麼乘法的意義將變得模糊，甚至難以理解。同樣的道理，音樂的發展也是一個連續的歷史進程，如果只學結果而不理解過程，就無法真正掌握音樂語言的精髓。

不同時代的音樂，解決不同的問題

音樂的發展並不是線性的，而是一種不斷解決問題、擴展可能性的過程。每個時代的音樂家，都在前人的基礎上，尋找新的表達方式，解決舊有的局限：

• 巴洛克時期（1600-1750）：主要解決「聲部對位」的問題，透過數字低音（Partimento）與對位法，使多聲部的音樂能夠協調運行，形成層次豐富的結構。
• 古典時期（1750-1820）：對位技法已經發展成熟，但旋律的獨立性仍然受到聲部交織的影響。因此，古典作曲家（如海頓、莫札特、貝多芬）開始尋找更清晰的旋律線條，讓主題更明確，並發展「句法結構」，創造更流暢、平衡的音樂形式。
• 浪漫時期（1820-1900）：古典時期的和聲語法較為穩定，和聲進行往往依賴五度關係。但這種進行方式漸漸顯得單調，無法滿足作曲家對更豐富情感表達的需求。因此，浪漫時期的音樂家開始探索更複雜的和聲，包括變和聲、轉調的頻繁運用，甚至是調式模糊的寫作手法，讓音樂表現更具戲劇性與張力。
• 20世紀與21世紀（1900至今）：浪漫時期的和聲已經極度豐富，但仍然受制於「調性」的框架。為了突破這個限制，20世紀的作曲家開始尋找新的聲音語言，如無調性音樂（阿諾·荀白克）、極簡主義（菲利浦·格拉斯）等。而在21世紀，作曲家更進一步融合電子音樂、微分音、聲音藝術等，嘗試擺脫傳統調性系統的框架，探索更多聲音的可能性。

當然，這樣的劃分是簡化的，但某程度上能夠反映歷史的進程以及不同時代所需要解決的問題。理解這些變化，能幫助我們更全面地掌握音樂，而不是將其視為一堆死記的規則。

現代音樂教育的缺失

然而，現代音樂教育卻往往忽略了這個關鍵環節。在巴洛克時期，數字低音（Partimento）和對位法是音樂學習的核心，學生必須學習如何在數字低音上即興演奏，理解音樂結構的邏輯。然而，隨著印刷術的發展和樂譜的普及，音樂教育逐漸變成「讀譜」為主，學生習慣於依賴樂譜， 而忽略了音樂重要的構成元素 - 語法、詞彙和即興的能力。這導致了現代學生在學習和聲時，往往只能死記和弦進行，而無法理解和弦進行的歷史背景和內在邏輯。這種學習方式讓音樂變得機械化，而非語言化。

18世紀的意大利那不勒斯音樂教育體系（如Fedele Fenaroli、Francesco Durante等人的Partimento教學）訓練學生透過即興演奏來學習和聲與對位。他們並不只是單純學習和弦，而是學習如何讓和聲流動起來，理解音樂語法，並能夠即興創作旋律。然而，這種教學方式在19世紀逐漸式微，取而代之的是固定的和聲規則與死記的學習模式，導致許多現代學生學習音樂時，無法像18世紀的音樂家那樣自然地「說」音樂。

理解歷史如何讓學習變得更立體

當我們以歷史的角度學習音樂時，我們就能夠看清每個時代的音樂如何解決前一個時代的問題。

例如：

• 如果你只學習古典時期的曲式規則，而不知道它是為了解決對位的複雜問題，你可能會覺得它是一堆限制，而無法理解它如何讓旋律更具表達力。
• 如果你學習浪漫時期的和聲，卻不知道它是為了突破古典時期的五度和聲進行限制，那麼你可能只會把它當作一堆陌生的和弦標記，而無法真正理解為何它能帶來更豐富的情感張力。
• 如果你在學習20世紀的現代音樂時，只是覺得它「不好聽」或「混亂」，但不知道它是為了突破傳統調性框架而生，你可能會無法理解這些音樂所帶來的創新價值。

當我開始學習那個時期的對位法和即興文化時，我發現這不只是技巧的學習，而是理解一種思維方式。這讓我更清楚地看到古典與浪漫時期音樂家的創作邏輯，並能夠在教學中，以更全面的方式幫助學生理解鋼琴和音樂的發展。

結語：用歷史的方式學習音樂，讓知識變得有機

音樂不是一種死記硬背的知識，而是一種語言，一種經歷數百年發展而來的藝術表達方式。如果我們只學習樂譜上的結果，而忽略了背後的歷史進程，那麼我們就像學習語言時，只學習單詞，卻不理解語法結構，最終無法真正運用這個語言。透過歷史的視角來學習音樂，我們不僅能更深入地理解音樂語言，還能夠重新拾回即興演奏的能力，真正讓音樂成為我們表達情感的工具，而不只是紙上的音符。